La artista multidisciplinaria Alia Haju es una de las voces más interesantes y potentes del cruce entre cine, música y testimonio en la región árabe y su diáspora. Su obra —que abarca bandas musicales, periodismo visual, documentales de autor y animación híbrida— se nutre de una experiencia vital atravesada por el desplazamiento, el conflicto, la memoria y la urgencia de contar historias que muchas veces quedan fuera del radar tradicional. Orígenes, migración y formación Alia Haju nació en el sur del Líbano, en un contexto marcado por el conflicto. En 1994, durante una de las guerras que asolaron el país, se vio obligada a huir hacia los Emiratos Árabes Unidos, y más adelante hacia Estados Unidos, lo que la expuso desde muy joven al sentido de exilio, desplazamiento y pertenencia fragmentada. En 2005 regresó al Líbano para completar una Licenciatura en Bellas Artes (BFA) en la American University of Beirut (AUB), donde estudió arte conceptual. Paralelamente, trabajó como fotógrafa, editora de fotografía y periodista visual en la región SWANA (Sur de Asia, Oeste de Asia y Norte de África), cubriendo, entre otros, la guerra en Siria. Ilustración de Alia Haju. De la página CityLore Este trasfondo —arte conceptual, periodismo de conflicto, desplazamiento personal— define en gran parte su sensibilidad creativa: un interés en el testimonio, en lo que queda tras la guerra, en lo que se construye cuando el “hogar” se fractura. La música, la banda y la sonoridad como resistencia Además de su labor en cine y video, Alia Haju es musicista activa. Reside en Brooklyn, Nueva York, y ayudó a cofundar la banda Taktouka, que desarrolla una propuesta musical que reivindica canciones folclóricas árabes remezcladas con sonidos electrónicos, jazz, improvisación y texturas contemporáneas. En 2022 recibió una subvención de la New York Foundation for the Arts (NYFA) para completar el primer álbum de la banda. Su presencia en el mundo de la música —en escenarios como el Lincoln Center o Joe’s Pub en Nueva York— le permite desplegar otra faceta de su voz artística: la creación sonora como espacio de memoria, emancipación y reconfiguración cultural. Cine, experimentación y memoria de Alia Haju El cine ocupa un lugar central en su práctica. Entre sus trabajos más destacados se encuentra el cortometraje anima-doc Ship of Fools (2024), una obra de animación híbrida que mezcla lo documental con lo imaginativo. La sinopsis describe: una mujer libanesa llamada Alia (la misma autora/autora-personaje) que creció en un contexto de guerra y desplazamiento, entabla amistad con “Abu Samra”, un aspirante a superhéroe en la costa de Beirut que combate sus propios monstruos. A medida que la revolución libanesa del 17 de octubre de 2019 se desarrolla, ambos descubren que no están solos. Este filme refleja numerosos rasgos que atraviesan su obra: lo íntimo y lo colectivo; la memoria personal como espejo de la memoria social; la mezcla de realidad y fantasía para abordar el trauma; la cámara como espacio de confrontación con lo que la política y la historia intentaron esconder. En palabras de la propia cineasta: “Many stories that demand to be told are stories of despair and difficulty, stories of unrelieved trauma, stories of persistent adversity that are still unresolved.” Además, Alia participó (como co-autora) en el documental premiado Kashkash (2020), lo que demuestra que su labor no se limita al cine de autor sino que contribuye también a proyectos de mayor alcance documental. Temáticas clave de Alia Haju: desplazamiento, monstruos, memoria Dentro de su obra se identifican varios hilos temáticos que se entrelazan y refuerzan mutuamente: Reconocimientos de Alia Haju La filmografía y los proyectos de Alia han sido apoyados por instituciones de prestigio (como AFAC – Arab Fund for Arts and Culture, Doha Film Institute, MFG Filmförderung) lo que indica que su trabajo ya está siendo reconocido internacionalmente. Por ejemplo, «Ship of Fools» ya ha sido seleccionado para festivales importantes (como Clermont‑Ferrand Short Film Festival en Francia) y ha recibido menciones especiales. Su visión artística también es clara: no busca ofrecer sólo “esperanza” en el sentido tradicional, sino también confrontar lo difícil, lo doloroso, para crear una conciencia. Esto la sitúa como una creadora que no evade lo duro, sino que lo atraviesa. Y lo hace con herramientas estéticas, formalmente rigurosas y conceptualmente densas. ¿Por qué su trabajo es relevante? En un contexto donde las narrativas del mundo árabe muchas veces son reductivas (conflicto, terrorismo, victimismo), el trabajo de Alia Haju aporta matices, complejidades, subjetividades. Nos recuerda que detrás de cualquier zona de guerra hay cuerpos, memorias, sueños, resistencias cotidianas. Además, su hibridación artística permite que esas historias lleguen a públicos que quizá no consumen “cine árabe” tradicional. La música, la animación, la performance, el arte visual: todo genera múltiples entradas para la experiencia estética. Y finalmente, Alia representa un modelo de artista que no se contenta con narrar desde la distancia sino que participa, que vive, que crea desde adentro de la comunidad, desde la herida, desde la urgencia de contar. En ese sentido, es un puente entre generaciones, culturas, medios y geografías. Lo que inspira de su obra Lo que más conmueve de la obra de Alia es cómo logra conjugar lo personal con lo colectivo. En su obra no hay separación entre la “yo” y el “nosotros”: su exilio personal se convierte en exilio colectivo; sus monstruos interiores se hermanan con los de una ciudad como Beirut o un país sumido en crisis. También fascina su decisión de incorporar la fantasía (monstruos, superhéroes, animación) para hablar de la guerra y la destrucción. Esa mezcla le permite mirar lo grave sin caer en lo explícito o lo sensacionalista, y al mismo tiempo llegar al corazón de la emoción. Por último, su compromiso pedagógico —trabajar como artista docente, enseñar música, danza, imagen— parece una muestra de que para ella el arte no es solo creación sino también transmisión, comunidad, vínculo. Mucho más que una cineasta Alia Haju es mucho más que una cineasta: es una creadora global, una musicista, una periodista visual, una narradora de historias urgentes desde el
Canciones que nos emocionan: la música como memoria viva con Syrine Ben Moussa
Hay canciones que oímos una sola vez y se desvanecen como un perfume pasajero, y hay otras que, sin saber cómo, se quedan a vivir con nosotras. Nos acompañan en los viajes largos, en las noches que pesan más de lo esperado o en las celebraciones en las que la vida estalla en alegría. Son canciones que se saben su propio camino para encontrarnos, aparecer, consolarnos o recordarnos quiénes somos. En Fialmuanath estamos convencidas de que la música no solo se escucha: la música construye identidad, teje memoria, une generaciones y crea puentes entre mujeres que quizás nunca se han visto pero han sentido emociones parecidas frente a un mismo ritmo, un mismo verso, o un silencio que dice más que cualquier palabra.Queremos invitarte a que nos cuentes cuáles son la canciones que te representan. Puedes ponernos un comentario en redes sociales o escribirnos a fialmuanath@gmail.com Cuando una canción es un espejo Hace unos días recibimos el hermoso testimonio de Syrine Ben Moussa, artista, cantante y musicóloga tunecina especializada en las músicas tradicionales del Magreb. Syrine nos compartió su canción favorita «Taḥta al-yāsamīn fī al-laylah», que significa ‘Bajo el jazmín en la noche’. Cuando leemos la historia de Syrine, no solo conocemos una canción: entramos en su noche tunecina, sentimos el olor del jazmín con su fragancia silenciosa y poderosa, escuchamos el murmullo de las conversaciones nocturnas, casi vemos la luz cálida reflejada en los muros de piedra, y sentimos esa mezcla de orgullo, timidez y emoción que acompaña a una niña en su primer concierto escolar. La música es así: capaz de contener un país en un estribillo, una infancia en tres acordes, un amor o una pérdida en una nota que se sostiene más de lo esperado. Quizás tú también tienes una canción que te transporta a la casa de tu abuela,al patio de tu colegio,a un verano que ya no volverá,a ese viaje decisivo,a una despedida o a un encuentro. Quizás hay una canción que te enseñó algo sobre ti misma, sobre tu fuerza, tu carácter, tu deseo, tus raíces, o sobre tu capacidad de transformar lo que parecía inamovible. Cantos, acentos y fronteras: ¿qué dice tu música de ti? En Fialmuanath publicamos voces diversas provenientes de distintas regiones, acentos, culturas y trayectorias. Y una verdad se repite: la música es el lenguaje común incluso cuando no entendemos las palabras. ¿Te emociona una canción en tu lengua materna porque te devuelve a un lugar seguro? ¿Una canción que escuchaste al migrar te ayudó a crear un hogar nuevo? ¿Tu canción favorita no tiene letra, pero su ritmo habla por sí solo? ¿La escuchabas con alguien que ya no está, pero su memoria sigue ahí cuando suena? No importa si tu canción es antigua o reciente, culta o popular, de autor o anónima, nacida en una ciudad, en una región rural, en un contexto activista, espiritual, religioso o festivo. Lo importante es lo que dice sobre ti y sobre tu historia. ¡Envíanos tus canciones favoritas!
Comida árabe vegetariana: sabores ancestrales que conquistan sin carne
La comida árabe vegetariana es una de las más antiguas, diversas y ricas del mundo. Su historia se entrelaza con las rutas comerciales del Mediterráneo, el desierto, los oasis y las caravanas que durante siglos compartieron ingredientes, técnicas y especias. Pero si algo sorprende a quien se acerca por primera vez a esta cocina, es la abundancia de platos vegetarianos llenos de sabor, textura y color. A diferencia de lo que muchos piensan, la comida árabe no gira exclusivamente en torno al cordero o al pollo. Las verduras, las legumbres, los cereales y las hierbas aromáticas ocupan un lugar central en su mesa. En este artículo exploraremos los secretos de la comida árabe apta para vegetarianos, sus ingredientes esenciales, sus platos más representativos y cómo disfrutar de esta cocina ancestral sin recurrir a la carne. Una tradición vegetal con raíces milenarias El clima y la geografía del mundo árabe han moldeado una cocina profundamente conectada con la tierra. Desde Marruecos hasta Líbano, pasando por Egipto, Palestina o Siria, los pueblos han aprendido a sacar el máximo partido de lo que el suelo y las estaciones ofrecen: berenjenas, garbanzos, lentejas, pepinos, aceitunas, dátiles, higos, granadas y trigo bulgur, entre muchos otros. La ausencia de carne en muchos platos no es una moda reciente, sino una consecuencia de la historia. Durante siglos, la carne fue un lujo reservado para ocasiones especiales, mientras que el día a día se sostenía con legumbres, cereales y hortalizas. Así nacieron muchas de las recetas que hoy los vegetarianos disfrutan sin necesidad de modificaciones. Además, la gastronomía árabe comparte con la dieta mediterránea una filosofía común: comer con equilibrio, aprovechar los productos locales y celebrar la comida como un acto social. Cada plato se acompaña de pan pita recién horneado, salsas como el hummus o el mutabal, y ensaladas frescas que equilibran el conjunto. Ingredientes clave de la cocina árabe vegetariana Detrás de cada plato delicioso hay una combinación mágica de ingredientes que definen la esencia de esta cocina. Entre los más importantes destacan: Con esta base, es fácil entender por qué la comida árabe se adapta tan bien a una dieta vegetariana: se apoya en productos naturales, saludables y versátiles. Platos árabes vegetarianos imprescindibles 1. Hummus: la joya cremosa del Medio Oriente No se puede hablar de cocina árabe sin mencionar el hummus. Esta crema de garbanzos cocidos, tahini, ajo, limón y aceite de oliva se sirve como aperitivo o acompañamiento. Es rica en proteínas, fibra y grasas saludables. Su textura suave y su sabor ligeramente ácido la convierten en una opción irresistible para untar con pan pita o verduras crujientes. 2. Falafel: croquetas crujientes de garbanzos El falafel es otro clásico que conquista paladares en todo el mundo. Se elabora con garbanzos molidos mezclados con cebolla, ajo, perejil y especias. Luego se forman bolitas o tortitas que se fríen hasta quedar doradas y crujientes. Acompañadas de salsa de yogur o tahini, son una proteína vegetal completa y deliciosa. 3. Tabulé (Tabbouleh): frescura en cada bocado El tabulé es una ensalada tradicional del Líbano elaborada con bulgur, perejil, menta, tomate, pepino, cebolla y limón. Es ligera, refrescante y muy nutritiva. A diferencia de las ensaladas occidentales, el protagonismo lo tiene el perejil, que aporta color y aroma. Ideal para acompañar platos calientes o disfrutar sola en los días calurosos. 4. Baba ganoush o Mutabal: el alma de la berenjena Este plato consiste en una crema ahumada de berenjenas asadas mezcladas con tahini, ajo y limón. Su textura sedosa y su sabor intenso lo convierten en el compañero perfecto del pan pita. Es una alternativa al hummus, ideal para quienes prefieren sabores más profundos y ahumados. 5. Dolmas o Warak enab: hojas de parra rellenas Típicos de la cocina levantina, los dolmas son hojas de parra rellenas con una mezcla de arroz, cebolla, hierbas y a veces frutos secos. Se sirven fríos o templados con un chorrito de limón. Son pequeños bocados llenos de frescura, equilibrio y tradición. 6. Mujaddara: lentejas con arroz y cebolla caramelizada Un plato humilde pero exquisito. La mujaddara combina lentejas, arroz y cebolla frita, todo aderezado con comino y pimienta. Es una receta que demuestra cómo lo simple puede ser profundamente satisfactorio. 7. Fattoush: ensalada con pan tostado El fattoush es una ensalada que mezcla verduras frescas (lechuga, pepino, tomate, rábano) con trozos de pan pita tostado y un aderezo de zumaque y limón. Crujiente, colorida y muy aromática, es perfecta para quienes disfrutan de sabores vivos y texturas variadas. Más allá de los platos: una experiencia cultural Comer comida árabe vegetariana no es solo una cuestión de sabor, sino una experiencia cultural y espiritual. En muchos países árabes, compartir una comida es un acto de hospitalidad sagrada. Los platos se colocan en el centro de la mesa, todos comen con las manos o con pan, y se conversa entre bocado y bocado. Esta forma de comer promueve la convivencia y la moderación. Los ingredientes frescos y las porciones equilibradas hacen que, incluso sin carne, las comidas sean completas y nutritivas. Además, la cocina árabe comparte valores muy actuales: respeto por la naturaleza, aprovechamiento integral de los alimentos y énfasis en la calidad sobre la cantidad. Cómo preparar un menú árabe vegetariano en casa Si quieres probar esta gastronomía en tu propia cocina, puedes preparar un menú sencillo y delicioso: Lo mejor de esta cocina es que no requiere ingredientes exóticos. La mayoría pueden encontrarse en cualquier supermercado o tienda de productos naturales. Y si te atreves con las especias auténticas, el resultado será aún más sorprendente. Un festín vegetal que une culturas La comida árabe vegetariana es mucho más que una alternativa sin carne: cada plato cuenta una historia de viajes, encuentros y saberes transmitidos durante siglos. Quienes deciden explorarla descubren una cocina equilibrada, colorida y profundamente humana. Ya sea en un falafel recién hecho, en una ensalada de tabulé o en un hummus cremoso, la esencia de la cultura árabe está presente: hospitalidad, sabor y amor por la buena mesa. Así que la próxima vez que busques una comida vegetariana llena de sabor, recuerda que el mundo árabe ofrece un banquete que te llevará, sin salir de
Mouna Karray: revelando lo olvidado con la cámara entre Sfax, París y el desierto tunecino
Mouna Karray es una fotógrafa tunecina cuya obra —intensa, precisa y comprometida— propone que lo que está en los márgenes también tiene voz. Desde su ciudad natal, Sfax, hasta el desierto del sur de Túnez, pasando por la experiencia formativa en Tokio y su actual residencia entre París y Sfax, su trayectoria visual expone aquello que “nadie va a hablar de ello” y sin embargo está ahí. Nació en 1970 en Sfax, una ciudad portuaria del este de Túnez. Estudió arte, cultura y fotografía en Túnez, concretamente en el Institut Supérieur d’Animation Culturelle, y más tarde se trasladó a Japón para completar un máster en Imagen Mediática (Image Media) en la Tokyo Polytechnic University en 2001‑2002. Esa experiencia fuera de su país aportó una mirada “foránea” que le permitió revisar su entorno natal desde otra óptica. Vivió entre Sfax y París, profesando una doble pertenencia: local y global. Esa tensión se vuelve material en su obra. De la página oficial de Mouna Karray Ejes temáticos de la obra de Mouna Karray La obra de Karray se construye alrededor de varias líneas constantes: Mouna Karray: Obras clave A continuación algunas de sus series más representativas: De la página de Tiburn Gallery Estilo visual y enfoque El lenguaje visual de Mouna Karray se distingue por lo siguiente: Reconocimiento y exposiciones de Mouna Karray La obra de Karray ha recibido amplia difusión internacional: Mouna Karray es una artista visual que consigue que la cámara no solo observe, sino interpele. Que lo margenado se vea. Que lo olvidado destaque. Su obra nos recuerda que hay historias que no se cuentan porque nadie las escucha; ella se convierte en esa voz. Desde Sfax hasta los rincones olvidados del sur tunecino, desde Tokio hasta París, su mirada conecta lo local y lo universal, lo social y lo poético. Cuando contemplamos sus imágenes, no vemos únicamente un bello encuadre: vemos una presencia que exige reconocimiento. Un cuerpo que pide ser visto. Un paisaje que clama memoria. Con Mouna Karray, la fotografía se convierte en acto de resistencia, de testimonio y de creación consciente. Imagen principal tomada de la publicación RFI
Todas las mujeres juntas por y para el deporte
En Fi Almuanath creemos profundamente en el poder transformador del deporte. Durante años, los espacios deportivos han sido un reflejo de la sociedad, y por eso celebramos cada vez que una mujer decide dar un paso al frente, ponerse sus zapatillas y ocupar con orgullo el lugar que le corresponde. El deporte es disciplina, salud y comunidad… pero también es representación, visibilidad y voz. Y las mujeres estamos demostrando que no solo pertenecemos en estos espacios: somos esenciales para su futuro. Este diciembre, nuestra protagonista fue Gazelak, una marca que nos inspira por su valentía y por su apuesta por equipar y visibilizar a mujeres que viven el deporte desde identidades diversas. Su presencia, su energía y su mensaje nos recordaron que cuando una mujer rompe una barrera, abre el camino para muchas más. Y eso es exactamente lo que queremos celebrar cada día. Vuestro mensajes de apoyo al deporte Queremos cerrar este post dando espacio a algunos mensajes que hemos recibido y que reflejan la verdad más bonita: el deporte crece cuando crecemos juntas. Sobre participar: “Cada vez somos más las mujeres que nos animamos con algún deporte. Qué bien y qué importante que todas tengamos un hueco. Nada nos para ya.” Para Gazelak: “Tocar un problema real desde la autenticidad de tú misma vivirlo. Ghizlane, orgullosos de verte como nuestra luz en medio de todas las opciones.” Sobre competir: “Las mujeres demostramos el espíritu y la deportividad a diario. Poder participar en eventos deportivos, sin importar de dónde venimos, nos hace más fuertes.” Sobre Gazelak: “Enhorabuena, me encanta. Como mujer musulmana que entrena tengo muchas necesidades en cuanto a ropa.” Gracias por estas palabras, por la fuerza que transmiten, por recordarnos por qué hacemos lo que hacemos. En Fi Almuanath seguiremos acompañando, escuchando y construyendo espacios donde todas las mujeres puedan encontrar su lugar en el deporte, sin renunciar a su identidad, a su fe ni a su esencia. Sigamos moviéndonos. Sigamos haciendo camino. Juntas.
Rima Bali, la escritora siria que convierte el exilio en poesía de resistencia
Rima Bali es una de las voces más poderosas de la literatura árabe contemporánea. Nacida en Alepo (Siria) en 1969, ha recorrido un camino difícil, marcado por la guerra, el exilio y la reconstrucción de su identidad en otros lugares. Su escritura no solo refleja su propia experiencia como mujer siria, sino también una profunda conexión con las heridas colectivas de su nación. A través de sus novelas, Rima Bali ha logrado transformar el dolor y el desarraigo en relatos de esperanza, memoria y resistencia. De Alepo al exilio: una escritora nacida entre ruinas La biografía de Rima Bali comienza en Alepo, una ciudad rica en historia y cultura, pero también profundamente marcada por el conflicto. Estudió Comercio y Economía en la Universidad de Alepo, lo que podría parecer un punto de partida lejano para una carrera literaria. Su vida cotidiana, su entorno familiar y su sensibilidad ya apuntaban hacia la creación. Desde joven sintió el impulso de contar historias, de capturar momentos que para otros pasarían inadvertidos. Antes de dedicarse por completo a la escritura, Rima trabajó en el sector turístico, gestionando un hotel histórico en el casco antiguo de Alepo. Ese hotel, con sus pasillos, habitaciones antiguas y viajeros de paso, se convirtió para ella en un microcosmos de relaciones humanas. También de encuentros fugaces, de sueños y pérdidas. Cuando estalló la guerra, vivió en Alepo durante los primeros años del conflicto, hasta que en 2015 decidió emigrar. Se trasladó a Madrid, España, donde actualmente vive y desde donde escribe, dialoga con dos mundos y reconstruye su voz. Ese cambio de escenario también transformó su perspectiva literaria: no solo habla de Siria desde la distancia, sino desde la vivencia del desarraigo. Sus novelas son un puente entre Alepo y Europa, entre lo que fue y lo que podría ser. En sus obras aparece esa tensión entre lo íntimo y lo político, entre el pasado que duele y la esperanza de un futuro diferente. La escritura de Rima Bali como resistencia y memoria En la obra de Rima Bali, la guerra no es un telón de fondo para la acción, sino un personaje más. Omnipresente, devastador, pero también motor de narraciones humanas. Su novela Suleima’s Ring (anillo de Suleima) es un ejemplo brillante de cómo entrelaza distintas voces para hablar del dolor, la memoria y la búsqueda de sentido. La historia transcurre entre Alepo y Toledo, y narra las vidas cruzadas de personajes de origen diverso. Selma, una mujer siria; Lucas, un fotógrafo mitad español, mitad judío; Shams al-Din, músico italiano viviendo en Alepo. El anillo de Suleima, que da título a la novela, no es solo un objeto físico: es un símbolo cargado de misticismo. Evocador del legendario anillo de Salomón, con sus supuestos poderes mágicos. A través de ese símbolo, Rima Bali teje una trama de amor, pérdida y redención. Utiliza matices sufíes y espirituales, perfume, sueños y pasiones, todo ello enmarcado por las ruinas simbólicas y físicas de una Alepo herida. El girasol azul, novela de Rima Bali traducida al español Otra novela destacada es El Girasol Azul (“The Blue Sunflower”). Traducida al español, Rima Bali explora la vida de mujeres que sobreviven bajo una tiranía masculina, la emigración y la memoria del exilio. En esta obra habla de relaciones entre generaciones. De solidaridad, de encuentros imposibles y del esfuerzo por preservar la dignidad humana frente a regímenes que aplastan individualidades. Además, su novela más reciente, “Nay en la orquesta occidental” (“Nay in a Western Orchestra”), continúa ese diálogo entre Oriente y Occidente: la música como puente, el exilio como escenario, y el personaje de Nay como símbolo de las muchas voces desplazadas por la guerra. Reconocimiento literario: una voz premiada El talento literario de Rima Bali no ha pasado desapercibido. Su novela Suleima’s Ring fue preseleccionada para el International Prize for Arabic Fiction (IPAF) en 2024, uno de los premios más prestigiosos de la narrativa árabe contemporánea. Este reconocimiento confirma que su obra no solo tiene valor artístico, sino que también impacta en el panorama cultural árabe a gran escala. Además, su presencia en eventos literarios y culturales en España y en medios internacionales ha contribuido a visibilizar la realidad de la mujer siria, el exilio y la guerra desde una perspectiva profundamente humana y literaria. Temas que atraviesan su obra: mujer, identidad y pluralidad Uno de los rasgos más valiosos en la narrativa de Rima Bali es la forma en que aborda la identidad femenina en un contexto árabe marcado por conflictos. Sus protagonistas no son víctimas pasivas: son mujeres activas, que resisten, que toman decisiones, que sueñan y caen, pero se levantan. En El Girasol Azul se vislumbra una crítica a las estructuras patriarcales, así como una exploración de la solidaridad entre mujeres para sobrevivir a la opresión. Otro tema muy presente es la memoria colectiva de Siria y en particular de Alepo. Para Rima, Alepo no es solo un lugar devastado por la guerra: es también el lugar de la infancia, de las osses, de la tradición, de la música y del comercio. Con su prosa, rescata fragmentos de una ciudad que muchos han tratado de borrar, y lo hace con ternura y dolor, pero también con una firme voluntad de reconstrucción simbólica. Asimismo, su obra refleja la pluralidad religiosa y cultural de Siria: en El Girasol Azul habla de una minoría cristiana, y su escritura no cae en reduccionismos confesionales, sino que muestra cómo las dinámicas de poder, de pertenencia y de exilio trascienden la religión. a emigración, por su parte, le da otra dimensión a sus personajes: no solo están desplazados físicamente, sino también en su identidad, lo que les obliga a reconstruirse en nuevas geografías. Estilo literario de Rima Bali: una prosa que se siente como un susurro El estilo de Rima Bali ha sido descrito por críticos como “poético”, “delicado” y “fino”, pero también profundamente realista. Sus novelas utilizan múltiples narradores, lo que le permite construir tramas ricas y complejas, donde convergen distintos puntos de vista, historias de amor, sueños, pérdidas y transformaciones. Esa pluralidad narrativa le da un carácter casi coral a sus
Céline Semaan Vernon: Diseño, activismo y futuro sostenible
La moda a menudo se asocia con el consumismo rápido y la negligencia ambiental. Céline Semaan Vernon representa una voz valiente que reimagina el diseño como territorio de justicia social, innovación ambiental y narrativas decoloniales. Diseñadora libanesa‑canadiense, fundadora de Slow Factory, activista, escritora y conferenciante, su trabajo transita los bordes entre moda, tecnología, derechos humanos y cambio climático. Este blog explora su trayectoria, sus ideas, sus proyectos más relevantes y el impacto que está generando en el diseño contemporáneo. De Beirut a Brooklyn: los orígenes Céline nació en Beirut y creció entre cambios geográficos y culturales que marcaron su sensibilidad: su familia se mudó a Canadá y luego ella se instaló en Nueva York. Esta condición de “migrante entre mundos” alimenta gran parte de su visión: cuestionar lo establecido, percibir la cultura como algo híbrido, y asumir la moda como un terreno donde conviven identidad, desplazamiento y tecnología. En sus comienzos trabajó como diseñadora de experiencia de usuario para firmas reconocidas, lo cual le dio una base tecnológica y de diseño de información que luego aplicó a una escala mayor en sus proyectos propios. Imagen de la página Sabaté Slow Factory: una plataforma de acción En 2013 creó Slow Factory, inicialmente como consultoría de diseño, y con el tiempo la transformó en una organización sin ánimo de lucro que trabaja en la intersección de la justicia social, el cambio climático y el diseño sostenible. Los proyectos de Slow Factory abarcan desde colecciones de moda sostenible, como obras impresas con imágenes satelitales de la NASA sobre seda orgánica, hasta conferencias educativas sobre justicia climática y alfabetización en sostenibilidad, y un incubador tecnológico en el ámbito de la moda. Uno de los hitos de la marca fue su colección de bufandas y piezas de seda impresas con imágenes de satélite que visibilizan, por ejemplo, la contaminación lumínica o el derretimiento de glaciares, haciendo visible su enfoque de “moda como narrativa ambiental”. Céline Semaan: Temáticas de su trabajo Al analizar su obra y su activismo emergen varios ejes clave: Logros y reconocimientos de Céline Semaan Céline ha sido reconocida internacionalmente, fue Directora Fellow del MIT Media Lab y miembro del Consejo de Progressive International. Ha participado en exposiciones como “Contemporary Muslim Fashions” en museos de referencia, subrayando su influencia entre moda, identidad y cultura visual. Proyectos destacados en detalle Significado cultural Céline Semaan Vernon adquiere trascendencia cultural en varios sentidos: Imagen de la publicación advaya Retos y futuro de Céline Semaan Abordar moda sostenible y producción ética no es tarea sencilla: En el futuro, sus líneas de actuación podrían ampliarse: más colaboraciones internacionales, mayor impacto educativo, proyectos tecnológicos que rediseñen la materia textil y nuevos formatos de narración visual que conecten comunidades creativas con movimientos de justicia social. La moda como plataforma ética, política y ambiental Céline Semaan Vernon representa una generación de creativas que no ven la moda como mero escenario de estilo sino como plataforma ética, política y ambiental. Por su obra —desde la colección de seda impresa con imágenes satelitales hasta la creación de Slow Factory como escuela y think‑tank— nos invita a repensar lo que vestimos, cómo lo producimos y por qué lo hacemos. Su trayectoria demuestra que el diseño puede ser una forma de acción, que la moda puede conectar con la comunidad y que las identidades migrantes pueden generar poderosas visiones para el futuro. Céline Semaan Vernon transforma la moda en un acto consciente, transformador y profundamente humano, recordándonos que la creatividad puede cambiar el mundo.
Rama Duwaji: la artista sirio-estadounidense que está transformando Nueva York
Cuando escuchamos el nombre Rama Duwaji, pensamos en una artista sirio-estadounidense que ha conquistado Nueva York a base de creatividad, autenticidad y sensibilidad. En muy poco tiempo, Rama Duwaji ha pasado de ser una joven ilustradora con raíces migrantes a convertirse en una de las voces artísticas más interesantes de su generación —y, por si fuera poco, en la futura primera dama de la ciudad más icónica del mundo. Pero antes de hablar de política, hay que hablar de lo que la define de verdad: su arte, su historia y su manera de ver el mundo. Una infancia entre culturas: Houston, Dubái y el mundo árabe como mapa vital Rama Sawaf Duwaji nació el 30 de junio de 1997 en Houston, Texas, en el seno de una familia sirio-musulmana. Desde pequeña vivió en un entorno multicultural, y esa mezcla de raíces ha marcado profundamente su trabajo artístico. Cuando tenía nueve años, su familia se mudó a Dubái, una ciudad en constante cambio, llena de contrastes, donde las tradiciones árabes se cruzan con la modernidad global. Esa experiencia fue clave para su visión estética: su arte no pertenece a un solo lugar, sino que viaja entre culturas. En entrevistas, Rama ha comentado que siempre sintió que “vivía entre mundos”, una sensación que muchas personas de la diáspora árabe comparten. Esa identidad fragmentada se ha convertido en un tema recurrente en sus obras: personajes flotando entre paisajes oníricos, figuras femeninas que combinan símbolos árabes con elementos digitales, o animaciones donde el color y la memoria dialogan. De Doha a Nueva York: la formación de una artista global Rama estudió Artes de la Comunicación en la Virginia Commonwealth University (VCU), primero en su campus de Doha (Catar) y luego en el de Richmond (Virginia, EE.UU.), donde se graduó cum laude en 2019. Fue allí donde consolidó su estilo visual: un equilibrio entre lo artesanal y lo digital, con influencias que van desde la caligrafía árabe hasta el cómic contemporáneo. Imagen de la cuenta Instagram de la artista Tras graduarse, decidió mudarse a Nueva York para estudiar un Máster en Ilustración en la School of Visual Arts (SVA), una de las escuelas más prestigiosas del país. La ciudad la inspiró, pero también la desafió. Como muchas artistas jóvenes, tuvo que abrirse camino en un entorno competitivo y costoso. Sin embargo, su voz singular y su enfoque cultural la destacaron pronto. Arte con propósito: Rama Duwaji identidad, migración y mujeres El arte de Rama Duwaji no se limita a la estética. Es arte con propósito, cargado de mensajes sociales, políticos y personales. En sus ilustraciones, animaciones y piezas de cerámica aparecen temas como la migración, la memoria, la identidad musulmana y el papel de las mujeres en la cultura árabe contemporánea. Su trabajo ha sido publicado y expuesto en medios de alcance internacional, como The New York Times, The Washington Post, BBC, Tate Modern, Apple y Spotify. Cada proyecto tiene una intención: generar empatía y abrir conversaciones sobre pertenencia, representación y resistencia cultural. Durante los conflictos en Gaza y Sudán, Rama utilizó sus redes y su arte para visibilizar las experiencias de las comunidades afectadas. En lugar de imágenes violentas, sus obras mostraban humanidad, esperanza y duelo compartido. Su enfoque fue profundamente emocional: una forma de activismo visual sin caer en el sensacionalismo. Cerámica, animación e ilustración: el lenguaje híbrido de Rama Duwaji A diferencia de muchos artistas digitales, Rama no se encierra en una sola técnica. Su estudio creativo combina ilustración digital, animación 2D y cerámica hecha a mano. Esa mezcla de lo táctil y lo tecnológico es uno de sus sellos más reconocibles. Ilustración tomada de la página de la artista La cerámica, en particular, representa para ella una conexión con lo ancestral. “El barro me recuerda a la tierra de mis abuelos en Siria”, ha dicho en entrevistas. Mientras tanto, la animación le permite contar historias que respiran, que se mueven, que laten. El resultado son obras profundamente personales, donde la tradición y la modernidad coexisten. Amor y política: el encuentro con Zohran Mamdani La historia de Rama dio un giro inesperado cuando conoció, en 2021, a Zohran Mamdani, un político neoyorquino de origen ugandés-indio. Se conocieron a través de la app de citas Hinge, demostrando que el amor también puede surgir entre algoritmos. Su conexión fue inmediata: ambos comparten raíces migrantes, ideales progresistas y una visión del mundo centrada en la justicia social. La pareja se comprometió en 2024 y se casó en febrero de 2025 en el Ayuntamiento de Nueva York, con una segunda ceremonia en Uganda unos meses después. Cuando Mamdani ganó las elecciones municipales de Nueva York ese mismo año, Rama se convirtió automáticamente en la futura primera dama de la ciudad, un rol que empezará oficialmente el 1 de enero de 2026. Imagen tomada del diario digital Hindustan Times Una primera dama diferente: artista, inmigrante y generacional Rama Duwaji representa una figura poco común en el panorama político estadounidense. No proviene del mundo del espectáculo ni de la política tradicional, sino del arte. Y además pertenece a la Generación Z, con todas sus particularidades: activismo digital, conciencia social y una sensibilidad multicultural muy marcada. Muchos medios ya la describen como “la primera dama más interesante de Nueva York en décadas”. Y no es para menos. Rama podría redefinir lo que significa ese papel: en lugar de limitarse a apariciones protocolares, podría usar su posición para promover la educación artística, el acceso a la cultura y la representación de comunidades migrantes en el arte público. Imagina una primera dama que organiza exposiciones inclusivas, impulsa residencias creativas para artistas emergentes o convierte el Ayuntamiento en un espacio cultural. Si alguien puede hacerlo, es ella. Entre la estética y la ética: el poder del arte en tiempos difíciles Uno de los aspectos más admirables del trabajo de Rama es su capacidad para unir ética y estética. En una época saturada de imágenes, su arte no busca solo agradar visualmente, sino conectar con algo más profundo: la empatía. A través
Houda Abouz (“Khtek”): la rapera marroquí que toma el micrófono y la palabra
Houda Abouz tomó el nombre artístico de “Khtek” (que en darija marroquí significa “tu hermana”) para subvertir un insulto y transformar su significado en grito de empoderamiento. En Marruecos, su aparición no solo llama la atención: marca un cambio tangible. Nació en la región de Khemisset (Marruecos) hacia 1995-96. Se formó en estudios de cine en la universidad Université Abdelmalek Essaâdi, en Tetuán, una ciudad del norte del país. Su pasión por el hip-hop la llevó a experimentar con la rima y la escritura, impulsada por un entorno que valoraba las artes visuales y por amistades que le abrieron el micrófono. En 2018 ya se presentó en festivales como el Festival Hardzazat en Ouarzazate, lo cual le permitió acceder al escenario de lo urbano marroquí. El alias “Khtek” no es casual: como ella misma explica, el término “tu hermana” se usa muchas veces como insulto en fórmulas machistas — ella lo adopta para darle otro sentido. Houda Abouz tiene un micrófono para contar lo que se vive El momento decisivo para Houda Abouz llegó con su aparición en la canción Hors Série junto a grandes nombres del rap marroquí como ElGrandeToto, Don Bigg y Draganov. El vídeo fue visto por unos 16 millones de personas en YouTube, lo que evidenció la fuerza de la escena. Poco después, en febrero de 2020 lanzó su primer sencillo en solitario, KickOff, en el que aborda sin tapujos la desigualdad de género y la estructura patriarcal. “Many things did not work out because we are ladies in the country of the dick”, canta. El estilo de Abouz mezcla el árabe marroquí (darija) con frases en francés e inglés. Esto le permite dirigirse tanto a un público local como global. Ella afirma que “el rap es mi pasión y mi mecanismo de defensa en una sociedad patriarcal”. Houda Abouz: Feminismo, identidad y cambio social Houda Abouz no se presenta simplemente como rapera: sus letras y su presencia también son un acto político y cultural. Ella se define como feminista, apoyando los derechos LGBT + y cuestionando las normas sociales que limitan a las mujeres. En una sociedad donde el rap se ve a menudo como “arte callejero” masculino, ella entra con decisión para decir que también hay lugar para mujeres. Además, su origen amazig-marroquí le da otra capa adicional. Ella representa una voz que viene de la periferia (regional, cultural) para irrumpir en el centro urbano mediático. En ese sentido, su obra habla de lo cotidiano, de las desigualdades, de la rebeldía — pero también del orgullo de ser mujer, artista y marroquí. La inclusión de Houda en la lista de “BBC 100 Women” en 2020 subraya ese impacto internacional. Según la BBC, su obra defiende los derechos de las mujeres y la igualdad. Su aparición en ese listado significa que su voz trasciende fronteras. La música como terreno de resistencia Algunas de las frases de sus raps no se olvidan fácilmente. Por ejemplo, en “KickOff” ella canta “I write better than you, though you think I’m just a girl”. En ellas, se encuentra esa doble batalla: por la aceptación en un espacio que no espera mujeres talentosas y por redefinir qué puede significar “ser mujer en Marruecos”. Lo interesante también es que ella no pretende únicamente “encajar” en el rap masculino, sino “cambiarlo”. Su nombre “Khtek” simboliza una resignificación del insulto, tal como explican estudios críticos de lenguaje en su obra. Su música se describe a veces como “un sabor de la calle y del Marruecos profundo”. Imagen tomada del diario digital The Arab Weekly Impacto y legado emergente de Houda Abouz Aunque todavía joven y emergente, Houda Abouz ya ha dejado huella: su figura inspira a otras mujeres, abre debates en Marruecos sobre género, cultura hip-hop y arte urbano. En las universidades y centros de estudio se le menciona como caso de estudio de “rap, disidencia y mujeres árabes”. También su presencia mediática (BBC, Reuters, medios internacionales) evidencia que su voz trasciende lo local. Ya no solo es una rapera marroquí, sino parte de la conversación global sobre música urbana, feminismo y cultura árabe contemporánea. ¿Qué viene para Khtek? Aunque no haya aún una discografía extensa masiva, lo que importa es la dirección que toma. Canciones que siguen cuestionando, que siguen creando presencia, que siguen generando un “espacio” para mujeres en el hip-hop marroquí. Su evolución sugiere que su carrera puede ser más que música: puede ser símbolo y plataforma. Su combinación de talento, activismo cultural y frescura la coloca como una de las artistas emergentes a observar en el mundo árabe y más allá. Estoy aquí… Houda Abouz —alias Khtek— es mucho más que una rapera que “ha irrumpido” en el rap marroquí. Es una narrativa, un reto al statu-quo, una voz que dice: “Estoy aquí, y no me puedes ignorar”. Su micrófono es también un medio de resistencia, su letra una declaración de identidad y su persona una inspiración para quienes buscan cambiar las reglas del juego. Cuando escuchamos a Khtek, escuchamos rap, sí; pero también escuchamos igualdad, cambio, cultura viva y una mujer que se apropia del arte urbano para transformar no solo su mundo, sino el de muchas otras. En Marruecos y fuera de él, su voz resuena: “tu hermana” ya no es solo una expresión coloquial: es un nombre que demanda respeto, atención y futuro. Imagen principal tomada de la publicación Scene Noise
Gazelak nos enseña que el deporte es para todas
El deporte siempre ha sido un espejo donde una sociedad refleja lo que valora: el esfuerzo, la disciplina y la superación. Pero también muestra sus vacíos. Uno de ellos, persistente y doloroso, es la representación de las mujeres. Aunque hoy ocupan más espacios que nunca, todavía enfrentan desigualdades, falta de visibilidad y barreras que no deberían existir. La presencia de las mujeres en el deporte sigue siendo una conquista Las mujeres han demostrado, una y otra vez, que el deporte también les pertenece. Están en los estadios, en los gimnasios, en los clubes y en las pistas de barrio. Baten récords, lideran equipos y entrenan después del trabajo, rompiendo techos que parecían indestructibles. Aun así, la visibilidad sigue siendo desigual. Muchas afrontan obstáculos que los hombres no conocen: carencia de recursos, estereotipos, sexualización o exclusiones silenciosas. Para quienes llevan hiyab, las barreras son aún más profundas. Su presencia a menudo se cuestiona o se mira con prejuicio, y muchas veces ni siquiera se contempla en el diseño de espacios o prendas deportivas. Cuando la industria del deporte no te ve «En España viven más de un millón de mujeres musulmanas que estudian, trabajan, emprenden y forman parte activa de la sociedad», nos cuenta Ghizlan Barohu El Bakli, fundadora de Gazelak. Añade que durante años la industria deportiva actuó como si ellas no existieran. La falta de ropa adaptada —especialmente para quienes entrenan con hiyab— convirtió algo tan cotidiano como practicar deporte en una dificultad constante. Esa ausencia no era un simple fallo de diseño: era una forma de exclusión. De esa invisibilidad nació Gazelak, la marca con la que Ghizlan decidió transformar su experiencia y la de muchas otras mujeres en una respuesta colectiva. Su objetivo va más allá de fabricar ropa técnica: busca empoderar, demostrar que la identidad no limita y que el deporte puede ser un espacio de libertad compartida. Queremos escucharte: cuéntanos tu historia En Fi Almuanath creemos que el deporte es un lugar que nos pertenece a todas. Por eso queremos escucharte. ¿Cómo vives tú el deporte? ¿Qué retos has enfrentado? ¿Qué te inspira, qué te impulsa o qué te detuvo alguna vez? Tu historia puede motivar a otras mujeres, abrir conversaciones necesarias y seguir ampliando los espacios que compartimos. Cuéntanos tu experiencia, queremos seguir construyendo comunidad contigo.
